Bilingue, como o é a realidade, Um Cigarro e Quatro Pares de Ténis reconstitui, com realismo, o retrato dessa emigração, onde o sonho esbarra com as contrariedades do dia-a-dia. Bem elucidativos são, logo, os primeiros momentos, em que a mãe, o homem (irmão), o filho, a filha surgem atarantados, sem saberem o que fazer.

Concebeu, pois Ema Fonseca – certamente com conhecimento de causa – um quadro esclarecedor:

«Entre ténis de marca, jardins sonhados., desilusões e redes de tráfego de “prota”, cada um dos membros da família procura, à sua maneira, o significado da felicidade e a sua identidade num meio estranho» –  escreve Fernando Alvarez, o diretor do Teatro Experimental de Cascais que, para a peça, se encarregou, como habitualmente, da cenografia, dos figurinos e dos adereços.

E concordo inteiramente com ele: merece “especial atenção” a primorosa encenação de Ana Padrão e um grande aplauso bem encorajador para «o elenco incrível maioritariamente jovem – Ivo Arroja, Maria Arrais, Sílvia Chiola e Tomás Andrade, ao qual se juntam os dois veteranos, Maria Joana Pinho Maria João Pinho e Sérgio Silva».

É a 190ª produção do Teatro Experimental de Cascais. A não perder! Estará em cena até dia 31 de quarta a sábado às 21 h., domingo às 16.

Assinale-se ainda que se trata do texto vencedor da 3ª edição do concurso promovido pelo Teatro Experimental de Cascais «Texto para Teatro», nesta edição subordinado ao tema ‘Identidade’.

Aplausos também para toda a equipa técnica: luz (João Cachulo e Jorge Saraiva), som (Sérgio Delgado), legendagem (Gonçalo Magalhães). Tudo funciona a contento, o que não é fácil aqui, com tanta mudança de cena no mesmo cenário.

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E, pelos dias anteriores à estreia, imagina-se encenador, ou seja, o responsável por fazer o enredo decorrer em determinado cenário. Pensá-lo-á à sua maneira, não lhe sendo obrigatório remontar à época em que a peça nasceu. Terá liberdade para lhe emprestar outra cronologia, mormente se o tema – como habitualmente acontece – é de todos os tempos. Além do espaço e do tempo, o vestuário, o guarda-roupa, a condizer com um e com outro. Na comédia haverá maior liberdade de ação.

Até à noite da estreia, a imaginação do futuro espectador deu cor, pensou movimentos, chegou mesmo a ‘ouvir’ os intérpretes nas cenas de maior realce.

Se a peça, porém, vai ser estreada no Mirita Casimiro, pela gente do Teatro Experimental de Cascais,  desengane-se, amigo: por maior que seja a sua experiência teatral, quem teve a seu cuidado a dramaturgia, isto é, a necessária adaptação da versão original, trocou-lhe as linhas;  quem gizou o cenário deixou-o, a si, a inimagináveis léguas de distância; quem desenhou os figurinos – esqueça! – jamais suspeitaria, como espectador, o que é que dali iria sair.

Já era assim com Carlos Avilez; foi assim agora com Cucha Carvalheiro; sempre foi assim e, mais uma vez, agora, com a exuberante fantasia de Fernando Alvarez no despido cenário relvado e na extravagância do guarda-roupa. Ficou-nos o bem colorido garridismo dos exuberantes trajes de inesperado recorte, a fazer fosquinhas aos mais originais costureiros em moda.

Das interpretações de actores antigos e novos escusamo-nos de repetir que deram o seu melhor. Flávia Gusmão, a protagonista, demonstrou bem quanto superou, largamente, as lições aprendidas na Escola Profissional de Teatro de Cascais. É uma estrela. Renato Godinho também. Todos!

Sim, as interpretações espantam-nos; mas se já estávamos habituados a que, de vez em quando, os lugares reservados aos espectadores não eram os expectáveis, desta feita, todo o espaço se alterou por completo, de forma a melhor se conseguir dar ao público a ilusão de ser mesmo interveniente, estar por dentro daquilo, porque, dum momento para o outro, o actor pode saltar de trás de si ou passear-se-lhe pela frente. Louvor maior para o desenho e operação de som, a cargo de Hugo Neves Reis. Parabéns!

Saímos consoladamente bem dispostos e até aceitámos o discurso final da Catarina (Flávia Gusmão), sabendo que nos quer inocular o contrário do que está a dizer.

Assinale que a estreia, no dia 13, em que se comemoraram os 60 anos de vida do Teatro Experimental de Cascais, teve a presença discreta de Marcelo Rebelo de Sousa. Francisco Kreye e Noel Rog Menezes, respectivamente, presidente e vogal da Junta de Freguesia Cascais Estoril, foram os únicos representantes presentes das entidades autárquicas. Esteve também Paulo Raimundo, mui discretamente, na assistência.

João Vasco, de fala angustiada, evocando Carlos Avilez e congratulando-se vivamente com o prestígio já alcançado por muitos dos seus antigos alunos, não deixou de alertar para a necessidade de se preservar o espólio do Teatro Experimental de Cascais e de se olhar com outros olhos para a Escola Profissional de Teatro.

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Mostra a exposição fotografias ímpares de Joaquim Silva Nogueira (1802-1959) e Maria Luísa Gomes (1953-2007). Pode admirar-se também o fato que a diva usou na referida homenagem a José de Castro e a lagarta que João Vasco nesse dia lhe ofereceu. Notar-se-á que, para legendar cada imagem, se escolheu um verso consentâneo com a expressão sabiamente captada pela objectiva: «Estranha forma de vida», «Tem este meu coração», «Vive de vida perdida»…

Vale, pois, a pena reservar espaço de vida numa das tardes dos próximos sábados para ir até ao Espaço Memória do Teatro Experimental de Cascais, sito na Avenida Marechal Carmona (junto ao antigo Pão de Açúcar), entre as 15 e as 19 horas, para largos momentos de intimidade, diríamos, com eloquentes instantes da vida de Amália Rodrigues.

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Agarrou Miguel Graça em duas peças do conhecido comediógrafo italiano Carlo Goldoni (1707-1793), Arlequim, Servidor de Dois Amos e Criadas para Todo o Serviço, e juntou-as numa só, esta Comédias para Todo o Serviço, mantendo, porém, as características de cada uma. Assim, cada ‘companhia’ deveria esmerar-se na apresentação, para ganhar as boas graças da Senhora, que uma – apenas uma – iria contratar.

Um desafio duplo, portanto: o de cada “companhia” e o de cada um dos candidatos ao diploma de actor. Ou seja, o campo ideal, esse, para os dois objectivos em vista. Teve a Senhora dificuldade em escolher; os jurados assistiram várias noites ao desempenho dos vários elencos, a fim de cotaram os examinandos.

Tudo, no entanto, num clima da maior festa, da maior movimentação, da jovial entrega. Sem barreiras em relação ao publico, dando mesmo a impressão de que todos somos participantes nesse jogo. Jogo de poder, de intriga, de dinheiro passado por baixo da mesa…

E aí somos chegados. Teatro sim, mas teatro-vida, teatro-realidade. A rir se escalpelizam atitudes, todas as atitudes, numa crítica social de todos os tempos, que só o Teatro sabe veicular.

E isso aprenderam bem os candidatos, mormente quando se chocam os encenadores de cada grupo, a mutuamente se criticarem, por terem partido de plataformas ideológicas diferentes. A Senhora irá pôr água na fervura, que também para ela o Teatro que deseja contratar tem de ver a realidade, tem de a mostrar nua e crua, sem máscaras, doa a quem doer.

Louvor se dá à original encenação; ao bem apanhado artifício para ir mudando de cenário em cena; aos singulares figurinos; à presença à vista de todos do ponto (um achado, hilariante quando, por exemplo, ajuda o gago a completar a palavra); e, antes, à solicitação feita a vários dos estudantes para darem conta, em livre depoimento escrito, do que foi a sua experiência, o seu sentir, a sua ansiedade, desde a primeira leitura do texto aos ensaios de voz e de movimentos. Essa, uma inovação nos textos de apoio que merece boa pontuação.

Se saímos contentes do Mirita Casimiro? Saímos. A pensar que Carlos Avilez deve ter ficado feliz – ainda que apreensivo pelo futuro – ao ver que o seu projecto se tornou vida, mais uma vez, nesta 182ª produção do seu Teatro Experimental de Cascais.

Comédias para Todo o Serviço, estreada no dia 9, está em cena no Teatro Municipal Mirita Casimiro (Monte Estoril), de 3ª a sábado, a partir das 21 horas; aos domingos a partir das 16. Até ao próximo dia 28.

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Adriano fora da Polícia Judiciária e pudera aperceber-se, em África, da falta de sentido da guerra que aí se travava; alistou-se, pois, no Partido, a fim de melhor sangrar a situação. Foi denunciado, preso. E o que se vê, num cenário tétrico, despido, de portas que abrem e fecham, algumas com grande estrondo, são os longos minutos desses dias, em que ainda se não vislumbrava qualquer saída plausível.

Louve-se a sobriedade do ambiente. Nem de mais nem de menos. E o canto, quase despercebido, do lado esquerdo, serve, logo de início, para mostrar a entrada bruta da polícia em rusga na casa do preso e, mais adiante, assim perto do público, para mostrar – e quase sentir – os murros, os pontapés, o sangue a escorrer pela parede, brutalidade…

Uma palava ainda para a ampla (54 páginas!) documentação disponibilizada. Para além dos dados sobre o espectáculo e a biografia dos intervenientes, extenso, oportuno e adequado rol de textos, nomeadamente recortes e imagens sobre a situação nas prisões do Estado Novo. Parabéns!

Acrescente-se que a sessão do dia 18 terá intérprete de Língua Gestual Portuguesa e, após a do dia 19, haverá possibilidade de troca de impressões com o público.

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22 de Outubro de 69

Foi no Teatro Gil Vicente, em Cascais, éramos jovens e Arrabal (então com 35 anos, hoje tem 91) um sacrílego a quebrar amarras e a estripar tabus.

Tive ocasião, na altura, de publicar a respectiva crítica, na última página da edição de 1 de Novembro de 1969 do Jornal da Costa do Sol. Estiveram em cena Eunice Muñoz e Santos Manuel; a encenação foi de Carlos Avilez; António Barahona da Fonsecas traduzira (a mesma tradução ora usada); coubera a Luis Noronha da Costa a realização plástica.

E adianto já o que então ajuizei do texto:

«Ali não há “cristianismo”. Há, sim, uma crença ingénua. Algo que, evidentemente, não enche as medidas a ninguém, porque se ficou pela rama. A vivência íntima não entra em cena. É tudo tão exterior como as pinturas que Lilbe vai aperfeiçoar junto ao caixão do filho – enquanto seu marido lê a criação de Eva-extraída-da-costela. Nisso, Arrabal tem razão: um Cristianismo assim, descarnado, que se pratica por medo do Inferno, por ser ‘bonito’, são satisfaz realmente».

25 de Abril de 2024

Passaram num ápice estes 55 anos, até parece que foi ontem e tanto, entretanto, mudou! Para já, ousou-se mostrar e perpetrar os crimes no ambiente soturno dum forte pejado de simbolismos. Aí começou, em Setembro de 68, o declínio do ditador e até se chegaram a vislumbrar esperanças.

Optou o TEC por repor estas duas peças de Fernando Arrabal. Para Oração o ambiente não poderia ser mais adequado: a capela do forte. Sobre o altar, a urna branca da criancinha que os pais por divertimento haviam matado. Para Dois Verdugos, o corredor de acesso ao piso superior, onde a capela está.

Ternurento, sem dúvida, o diálogo naturalmente entrecortado de silêncios entre Rita Calçada Bastos e Luís Lobão, que incarnam às mil maravilhas uma sordidez infantil. Mataram o filhote, divertiram-se e, agora, velam o caixão, prometendo tentar que doravante serão bons como criancinhas. Deliciar-se-ão com a leitura (feita em voz off por João Vasco – e nós a matar-mos saudades da sua voz!…) de passagens da Bíblia: a criação do mundo, a criação de Eva, a cura do cego de nascença… A ingenuidade perfeita, em gestos mínimos, contidos, em expressões ora dolorosas, pungentes, ora soltas numa gargalhada fictícia. Não é uma oração, de facto; é, sim, a vontade de, serenamente, mas quase fingidamente (o espectador não acredita neles, não, não pode acreditar…), virem a ser melhores. Que são ternurentos, são. E quase nos despertam a vontade inconsciente de lhes irmos apresentar pêsames. Não!

Excelente, portanto, o desempenho de ambos.

A peça Dois Verdugos

Mostra um acto diferente, mas igualmente recriminável: a mulher encomenda a dois verdugos que espanquem até à morte o marido. Não se sabe bem porque lhe deu para isso. O certo é, na cena, o debate – enquanto, a partir de determinado momento, se ouve lá mais acima, às escondidas, o flagelar do pobrezito – o debate é entre a mãe, a justificar-se, e os dois filhos, um que está a favor, outro que só por não poder (o irmão não deixa) é que não estrafega a mãe logo ali.

Papéis nada fáceis, portanto, mas que os intérpretes desempenham com aplauso. A mãe é, de novo, Rita Calçada Bastos (uma ‘outra’ Rita Bastos, como é natural); os filhos, João Maria Fialho e Gonçalo Braga. Em 1969, foram Filipe La Féria e Carlos Paulo, e a mãe, Eunice, «de monstruosa versatilidade, arrepiante, num sarcástico sadismo», escrevi em 1969. Também assinalei, na altura, quanto nos esmagavam «aquelas chicotadas ímpias, aquele feroz grunhir»; creio que tudo se passava diante do espectador e, no final, «levado pelos verdugos, atado de pés e mãos, com sal e vinagre nas chagas mortas», «o Homem passou à nossa frente. E nós – acabrunhadamente – também fomos com ele».  Na encenação de agora, de Renato Pino, só se ouviram os gritos, nada se via dos açoites. Contudo, adiante-se, a Censura deixou passar o espectáculo e não cortou a crítica, a que, inclusive, se lograra dar relevo na última página do jornal.

A escolha da peça para as comemorações dos 50 anos do 25 de Abril visou mais – se não erro – aproveitar uma peça de antes da Revolução e mostrá-la, na sua crueza, numa fortaleza simbólica. Nada se diz acerca da sua actualidade. A violência conjugal e familiar, que ambas as peças retratam – e recorde-se que datam de meados do século XX! – estão, contudo, a fazer parte, infelizmente, do nosso quotidiano. Mostrá-las, nuas e cruas, sadicamente, no palco, pode funcionar como exorcismo. Oxalá!

Está previsto que ambas as peças  – cuja cenografia e figurinos têm a assinatura de Fernando Alvarez – farão breve digressão, em 2025, por Faro (Teatro das Figuras), Lagos e TIO-Oeiras.

O conteúdo CRIMES NO FORTE DE SANTO ANTÓNIO aparece primeiro em Duas Linhas.

Seguiu-se a representação da peça «A Andorinha», do dramaturgo catalão Guillelm Clua, nascido a 13 de Junho de 1973. A encenação é de Cucha Carvalheiro, tradução de Miguel Graça, cenografia de Fernando Alvarez, canção original de Tiago Machado e participação especial áudio de FF.

Em cena, durante todo o espectáculo, Luísa Cruz e José Condessa, que – ouso acrescentar desde já – constituem sérios candidatos ao galardão de melhores actores do ano, atendendo à excelência das suas interpretações. Bastará dizer que, ao contrário do que poderia esperar-se, dada essa circunstância de um permanente diálogo unicamente a dois, os espectadores jamais deram mostras de cansaço, de menor atenção ou de menor sintonia.

Na cidade de Orlando, nos Estados Unidos, em 2016, um fanático entrou numa discoteca, na altura frequentada por homossexuais e desatou a disparar indiscriminadamente, matando 49 pessoas.

O caso inspirou Guillelm Clua para pôr em cena a necessidade do respeito a ter em relação às tendências sexuais de cada um. Optou, pois, por imaginar que Ramón, aí presente, lograra escapar ao morticínio por o seu amigo se haver postado diante do atirador, morrendo em seu lugar.

É, pois, Ramón que, a pretexto de receber lições de canto, vai ter com a mãe do seu amigo. Era seu intento, disse, aperfeiçoar-se para interpretar bem «A Andorinha», a canção que a mãe lhe cantava para o adormecer e, no memorial a realizar em honra dela, ele desejava não fazer má figura.

Mal recebido, por não ter a voz bem colocada, acaba, pouco a pouco, por lograr que a lição se prolongue o bastante para que Amélia, a professora, fique a saber o que realmente aconteceu, ela que não aceitara lá muito bem a orientação do filhote assassinado. Aliás, nem lograra aperceber-se bem, na altura, como é que exactamente tudo se passara. Compreende-se, pois, a densidade do diálogo entre os dois, a vivacidade da troca de argumentos, o íntimo enleio entre as diversas ‘tonalidades’ (digamos assim) do amor.

Uma hora e quarenta minutos sem intervalo – não poderia haver pausa, cortava-se o fio à meada! – em que dois mundos, duas gerações e duas mentalidades se digladiam, para, no final, sobressair, em clima de (agora, já natural) serenidade, a plena aceitação do Outro como ele é.

Escreve-se no convite que este é «um elenco extraordinário desejado por Carlos Avilez». Não me custa a crer. Primeiro, porque o jovem José Condessa, formado na Escola Profissional de Teatro de Cascais, já dera provas bastantes de ser actor à altura de arcar com tamanha responsabilidade, a contracenar com uma actriz, Luísa Cruz, de largo palmarés (recorde-se que, licenciada em Teatro e Cinema pelo Conservatório Nacional de Lisboa, recebeu, em 1989, do semanário Se7e o prémio de Actriz Revelação). Depois, porque é este um tema de intervenção e nessa linha sempre se pautou a companhia do Teatro Experimental de  Cascais.

«A Andorinha» estará em cena, no Auditório Carlos Avilez, até 11 de Fevereiro.

O conteúdo O massacre de 49 gays aparece primeiro em Duas Linhas.

Com a notícia do falecimento de Carlos Avilez, a coordenação do TEC suspendeu as sessões, que retomarão a 30 de Novembro.

“É tempo de refletir e deixar toda a equipa, pessoas envolvidas e todos os amantes de teatro processarem esta perda”, diz o comunicado do TEC, onde lembra o percurso do seu fundador, desde o Teatro Nacional S. João, ao D. Maria II, até à criação da Escola Profissional de Teatro de Cascais (EPTC).

Avilez não deixa apenas assinatura em enormes realizações cénicas, mais do que isso, deixou-nos gerações de atores. A EPTC é uma escola integrada no sistema público de ensino que proporcionou o acesso aos palcos a jovens de todas as classes sociais.

E são esses alunos e antigos alunos da EPTC quem mais sentem a perda. Fica aqui um exemplo, de quem se lembra que “é extraordinário ver demónios em palco, ninguém quer ver caras bonitas. Foi tanto o que foi vivenciado em três simples anos que parece impossível de acreditar! Tudo graças a esta Escola. Tudo graças ao Carlos Avilez.”

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E se, de facto, não podemos ficar indiferentes ao texto que Miguel Graça preparou; se continua a agradar-nos sobremaneira o jeito com que Fernando Alvarez concebe o cenário e os (sempre originais!) figurinos; se consideramos bem apropriadas a música original de Pedro Jóia (um bom achado) e as (nada fáceis de executar!) coreografias de João Lara – magistral é, não há dúvida, a forma como Carlos Avilez consegue pôr toda aquela gente no palco, adestrando-os nos mais diversos aspectos da representação teatral: a movimentação, a atitude, o gesto, a dança, o canto, tudo!… Um palco cheio, em que o mínimo pormenor conta e é tido em consideração.

Neste aspecto – e vemo-lo pelos resultados, quantos artistas, hoje com nome já, passaram pela EPTC?! Largas centenas! – neste aspecto, o labor, nem sempre fácil, levado a cabo pela Escola Profissional de Teatro de Cascais, não padece comparação, situa-se ao nivel do que melhor se faz. Há que aplaudir!

Largo encómio ao valor do Teatro como veículo de informação, de consciencialização, de… murro no estômago da indiferença e do ‘laisser faire, laisser passer’ (‘deixar fazer, deixar passar’), que tão impunemente caracteriza os nossos dias – esse, o grito de alerta desta representação. Teatro-vida, teatro-revolução, teatro-manifesto! Sentimo-lo no decurso de toda a peça, mormente no ‘sermão’ da «directora» que, à boca de cena, no princípio e no fim, expressamente se dirige aos espectadores – e até há um casal que reage às suas falas. Aliás, este espicaçar os espectadores é permanente, eficaz.

Escreve-se na folhinha do programa (onde continuam a faltar as informações de quem é que faz de quem, um ‘anonimato’ que, pessoalmente, me constrange, confesso…), escreve-se aí que «a liberdade do Amor, o Tempo, as Máscaras e a Revolução são os grandes temas dos textos». São. Numa roupagem espanhola, para homenagear García Lorca. Por isso, há um toque de ‘nuestros hermanos’ em pormenores dos figurinos e há, sobretudo, aqueles vibrantes sapateados em que os estudantes, bem aprumados, acabam por saber mostrar quanto aprenderam.

Participam os actores Renato Pino, Luiz Rizo, Sérgio Silva e Teresa Côrte-Real, do TEC.

O espectáculo, estreado, com vibrantes aplausos de pé, na noite do passado dia 4 deste mês de Julho, vai estar em cena, no Mirita Casimiro, até ao próximo dia 27.

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De 18 a 28 de Maio foi muito pouco tempo!

Primeiro, pelo conteúdo. O retrato vívido, lancinante, do trabalho (sim, trabalho, palavra várias vezes pronunciada no decurso do espectáculo) dos voluntários, que, no Mediterrâneo, se entregam de alma e coração a salvar vidas, em circunstâncias do maior dramatismo, impregnado sempre de urgência, a exigir mão forte, a fim de o sucesso à vista não redundar em tragédia maior.

Tudo servido por um texto contido, acutilante, inesperado.

Segundo, pela encenação. Não era nada fácil. O engenho dos artistas experientes consiste em dar a sensação de que o foi. Rodrigo Aleixo na encenação; José Manuel Castanheira na cenografia.

O palco, todo um enorme círculo branco, onde simples e geométricos blocos cinza se foram dispondo ao sabor da situação. O que interessava eram as palavras, as histórias, as… vidas!

Aplauda-se essa simplicidade. Aplaudam-se os figurinos – de branca leveza e originalidade, saídos da inexcedível experiência de Fernando Alvarez.

Terceiro, pelo espectáculo, onde a percussão, a cargo de Miguel Sobral Curado, desempenhou papel fundamental (cá está: a simplicidade em acção!,) a marcar transições, a vincar momentos.

Dois pormenores não posso deixar de destacar pelo seu grande significado:

– Durante o intervalo (os espectadores poderão ter saído para espairecer, mas o espectáculo continuou!…), dois personagens, em círculos concêntricos, limpam, pausada e cuidadosamente, o chão, como que a proclamar, em silêncio fecundo: «Muito há ainda a limpar, senhores!».

– O espectáculo termina com um dos refugiados a declinar, sozinho, o seu nome. As luzes apagam-se. Faz-se um grande silêncio. Os espectadores só momentos depois se apercebem de que o espectáculo chegou ao fim. O nome! Sim, todas essas pessoas têm nome!…

E, claro, magnifico o desempenho dos doze actores. Todos. Bárbara Branco, a protagonista, a merecer, sem dúvida, um prémio maior. Ela é a professora simpática; ela é, na aparente fragilidade feminina, o motor, a voz forte, a comandante que nunca pode tergiversar! Realce também para Manuela Couto, no papel caricaturado da mãe-bem, «Credo, que horror, filha, esses desgraçados!…». Rivânia Saraiva, cabo-verdiana, acompanha bem a comandante. Aliás, merecem todos que seus nomes aqui sejam exarados; Daryab Rasoli (afegão), Francisco Monteiro Lopes, João Gaspar, Mário Coelho, Patrícia Fonseca, Afonso Lourenço, Maria Mingote, Tomás Vinhas e Vasco Maranha. Saídos quase todos da Escola Profissional de Teatro de Cascais e já com currículo consolidado.

Pois é: um espectáculo que devia ter estado mais tempo e que muito bom seria se tivesse sido gravado e pudesse percorrer o País!

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