Bilingue, como o é a realidade, Um Cigarro e Quatro Pares de Ténis reconstitui, com realismo, o retrato dessa emigração, onde o sonho esbarra com as contrariedades do dia-a-dia. Bem elucidativos são, logo, os primeiros momentos, em que a mãe, o homem (irmão), o filho, a filha surgem atarantados, sem saberem o que fazer.

Concebeu, pois Ema Fonseca – certamente com conhecimento de causa – um quadro esclarecedor:

«Entre ténis de marca, jardins sonhados., desilusões e redes de tráfego de “prota”, cada um dos membros da família procura, à sua maneira, o significado da felicidade e a sua identidade num meio estranho» –  escreve Fernando Alvarez, o diretor do Teatro Experimental de Cascais que, para a peça, se encarregou, como habitualmente, da cenografia, dos figurinos e dos adereços.

E concordo inteiramente com ele: merece “especial atenção” a primorosa encenação de Ana Padrão e um grande aplauso bem encorajador para «o elenco incrível maioritariamente jovem – Ivo Arroja, Maria Arrais, Sílvia Chiola e Tomás Andrade, ao qual se juntam os dois veteranos, Maria Joana Pinho Maria João Pinho e Sérgio Silva».

É a 190ª produção do Teatro Experimental de Cascais. A não perder! Estará em cena até dia 31 de quarta a sábado às 21 h., domingo às 16.

Assinale-se ainda que se trata do texto vencedor da 3ª edição do concurso promovido pelo Teatro Experimental de Cascais «Texto para Teatro», nesta edição subordinado ao tema ‘Identidade’.

Aplausos também para toda a equipa técnica: luz (João Cachulo e Jorge Saraiva), som (Sérgio Delgado), legendagem (Gonçalo Magalhães). Tudo funciona a contento, o que não é fácil aqui, com tanta mudança de cena no mesmo cenário.

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Gosto do atributo – MESTRE – sobejamente justificado.

Nesta homenagem, a peça A Estrela Titó, texto e encenação de Marco Medeiros, superiormente representada por Romeu Vala e Rita Tristão, actores agora do Palco 13.

Na assistência, poucos terão sido os olhos que se não humedeceram. Todos nos sentimos retratados naqueles evocados instantâneos de uma vivência em pleno, desde miúdos, em comunhão com a delícia da avó Titó. Fomos nós, aqui, ali, neste pormenor, naquele gesto, naquele saborear de bolo, naquele dia da partida, naquele… naquele… Peça a dever ser representada por toda a parte, em todas as escolas, para todos os públicos… Lágrimas, sentidas, molharam muitos rostos. E isso é teatro. É vida! Como Carlos Avilez o que concebia. E foi bom vivê-la assim, quase em intimidade, no auditório que tem o seu nome.

FF, formado na Escola Profissional de Teatro de Cascais, cativou, acompanhado ao piano por Tiago Machado, com o enorme virtuosismo que o caracteriza e que nunca é demais aplaudir e sublinhar.

Concorrida, muito concorrida mesmo, foi depois a cerimónia oficial do descerramento da placa toponímica pelos presidentes do Município e da Junta de Freguesia, com emotivos discursos de ocasião – pelo presidente da Junta, por Fernando  Alvarez (atual director do Teatro Experimental de Cascais), por Ricardo Machado (sobrinho de Carlos Avilez), ciclo encerrado pelo presidente da Câmara, a solenemente garantir que o legado do Mestre será honrado. Amigos, colegas, antigos alunos, irmanados todos na mesma vontade de jamais deixar esquecer a mensagem:

«O Teatro é revolucionário, grita contra a opressão e resiste sempre. O seu espírito a tudo sobrevive: às guerras e conflitos, à repressão e à censura. Consegue sempre renascer, mesmo nas circunstâncias mais adversas».

Entre a Academia das Artes do Estoril e o Teatro Mirita Casimiro.

A multidão a pouco foi dispersando, em custosa despedida. Na promessa íntima, de cada um: sim, Mestre, esta mensagem não a vamos esquecer!

O conteúdo MESTRE DE GERAÇÕES aparece primeiro em Duas Linhas.

Legalmente constituída em 2001, surgiu como projecto de intervenção dentro da escola e na sua relação com o contexto (Escola-Meio), sempre com um enfoque especial: a importância da área das expressões artísticas no desenvolvimento pessoal e social das crianças e jovens.

Apresentado, em 1990, ao Conselho Científico da Escola Superior de Educação de Setúbal, o projecto foi aceite e reconhecido. Apoiado pela Câmara Municipal de Almada, do ponto de vista logístico e financeiro, teve como sede a Escola Básica D. António da Costa, que acolheu muitas das suas iniciativas, que paulatinamente se foram definindo através de duas grandes linhas de actuação – a formação e a animação – evoluindo, de forma natural, para a criação artística.

Assim, em relação ao público escolar, foi, por exemplo, «À Descoberta da Arte Pública», para aproximar os alunos do tecido urbano que lhes é próximo. E é verdade, em Almada e em muitos lugares: as obras de arte que integram o quotidiano de quem vive ao seu redor raramente são verdadeiramente compreendidas!

Criou-se, na Escola Básica de Corroios, o Clube de Teatro, de cuja actividade, ao longo dos anos, resultou a oferta curricular de Teatro para o 2º e 3.º Ciclos, o que viria a provocar a abertura do Curso Profissional de Teatro (Ensino Secundário).

No quadro do projecto «NÓS E VOZ: Do Texto ao Gesto, do Gesto ao Texto», em parceria com a Escola Secundária João de Barros, no âmbito do Plano Nacional de Leitura, houve leituras encenadas, inclusive públicas em espaços abertos, nas escolas, na Biblioteca e outros espaços, nomeadamente o Espaço da própria ACOME.

«Formação em Teatro», «Teatro a Todos», «Iniciação ao Teatro» (com, por exemplo, a colaboração da Academia Almadense), «Música e Movimento», «Orquestra de Percussão» – constituem os títulos dalgumas das iniciativas levadas a efeito e continuadas. Dada a sua originalidade, relevo do relatório do actual coordenador da Associação, Manuel João, a informação de se ter levado à cena a peça, original de Sarah Adamopoulos, intitulada Próxima Pele, que é a nossa, sempre em transformação com o tempo e no espaço onde vivemos. Versando o Processo de Envelhecimento, «evoca o corpo metamórfico que sente, fala e se move ao ritmo da música, também ela original». Um espectáculo que, naturalmente, envolveu – e bem – a comunidade extraescolar.

 “O Mundo do Espectáculo” participa, desde o início, nos congressos de IDEA (Congresso Internacional de Drama/Teatro em Educação), cuja realização aconteceu, pela primeira vez, no Porto (1992) e, posteriormente, na Austrália (1995), no Quénia (1998), em Bergen (2001); em 2004, a Associação esteve também presente no Canadá, onde Helena Peixinho, sua coordenadora desde a fundação até esse ano, partilhou as actividades aqui desenvolvidas.

Helena Peixinho, garantindo-me que esta sua “viagem” foi vivida «com alguma intensidade, amando o que fazia», colaborou, após a aposentação, na criação, nesse mesmo ano de 2004, da Universidade Sénior de Almada (USALMA), tendo aí leccionado disciplinas como “Encontro com a Poesia”, “Expressão Dramática e Património”, “Teatro da USALMA”, “Leitura Dramatizada”.

Numa altura em que os noticiários apontam falta de professores um pouco por toda a parte, também porque a profissão parece ter deixado de apresentar o aliciante de outrora, não deixa de ser eloquente este testemunho da «Outra Banda», na medida em que – por via das iniciativas criadas – se logrou alicerçar a necessária ligação (e até cumplicidade!) entre a Escola, a Família e a Comunidade. Não há aí costas voltadas, mas um olhar apontado na mesma direcção!

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Robert, o protagonista (primorosa interpretação de Henrique Feist, permanentemente em cena), vê-se a braços com o facto de ser solteiro e estar a comemorar 50 anos. Que foi a sua vida até ali? Os casais da sua lidação ali estão para o ajudar. «Casa, homem!». «Isso de estar sozinho não tem jeito nenhum!». Há mesmo quem, em cena, tente mostrar-lhe como é bom. Sobrevêm, contudo; tantas falas, tantas evocações!… Tudo é pretexto para adiar, adiar… A dama divorciada e que atura agora o segundo marido vai dando as suas sentenças. Os casais mais novos divertem-se e procuram divertir este Robert indeciso, indeciso até mais não!

Do ponto de vista técnico, um espectáculo impecável. Mui adequado desenho de luzes, sonoplastia impecável, interpretações impolutas, movimentação de actores a condizer, num cenário onde em Nova Iorque acabamos por nos sentir, que os arranha-céus lá estão, imponentes.

Vale a pena, pois, dar uma saltada ao auditório do Casino Estoril: quintas, sextas e sábados às 21h00; domingos, às 16h30.

Em https://casino-estoril.pt/pt/agenda/company-uma-comedia-musical poderá inteirar-se melhor do ambiente temporal (anos 70) e local (Nova Iorque) em que a festa se desenrola. Daí, com a devida vénia, recorto esta frase:

«O medo do fracasso, da desilusão, a necessidade de ser querido, de pertencer a alguém… Tudo isso vai passando pela cabeça de Bobby que só quer viver. Porque é bom viver. E isso só se consegue quando temos alguém ao nosso lado para amar, e isso faz-nos sentir vivos».

Aliás, é o insistente grito QUERO VIVER! que seguramente mais nos fica na ideia.

O conteúdo Estar solteiro aos 50 anos! aparece primeiro em Duas Linhas.

Ousada encenação de Ana Nave. Arrojada cenografia de Fernando Alvarez. Interpretam-na 38 alunos finalistas da Escola Profissional de Teatro, em Prova de Aptidão Profissional, ‘apoiados’ por três elementos do Teatro Experimental de Cascais (Luiz Rizo, Teresa Côrte-Real e Sérgio Silva).

A última ‘fornada’ saída das mãos de Carlos Avilez. Por isso, em homenagem, está vaga, a meio da primeira fila, a cadeira donde o Mestre dirigia os ensaios. É a «cadeira do Carlos».

Por ser Prova de Aptidão Profissional, as falas foram equitativamente distribuídas pelos estudantes e sobre a atuação de todos e cada um cabe ao júri apreciar. Há, porém, dois aspetos a focar desde já: o geral à-vontade demonstrado e, sobretudo, a boa dicção, elemento fundamental num actor e a que nem sempre se dá a atenção devida.

Sempre inesperada a criação do espaço cénico. Neste caso, o sábio recurso a vários planos realça a atuação e revela-se engenhosa a instalação de uma segunda cena em palco, qual cabine de robertos.

Encantam – como sempre, aliás – os figurinos, nados da incomensurável imaginação criativa de Fernando Alvarez. Tudo certo!

Os anjos ou os demónios ou os espíritos, de branco trajados, que revolteiam (irrepreensível coreografia de Rita Spider) no começo, no final e que, inopinadamente, de vez em quando reaparecem – são, no fundo, o longínquo eco dos coros da tragédia grega.

Tragédia, esta, consubstanciada agora na crua decapitação do «salvador». Tragédia consubstanciada no coro final, de todos, num grito uníssono: PAZ! PAZ! PAZ!

Os ramos de flores oferecidos pelos familiares aos finalistas eloquentemente sublinharam, estou certo, este angustiante brado final. Realce também para o precioso conjunto de textos incluído na pasta de apoio ao espectador.

O conteúdo A DECAPITAÇÃO DO “SALVADOR” aparece primeiro em Duas Linhas.

Hoje escrevo e homenageio um grande amigo, uma das pessoas de quem mais gosto na vida. Mas, registe-se, desde logo, que esta homenagem não é de todo motivada pela amizade, mas pelo reconhecimento devido a um homem, a um artista, absolutamente excecional – António Casimiro.

A formação

A formação de António Casimiro na área das Artes Plásticas começou na juventude, ao ingressar na Escola de Artes Decorativas António Arroio, que concluiu, passando depois para a Escola Superior de Belas Artes de Lisboa. Lembre-se que é da geração e foi colega e muito amigo, entre outros, de René Bertholo e de João Vieira. Abandonaria o curso para ingressar numa escola muito importante, não formal, onde tantos fizeram notáveis formações práticas ao nível da gravura e do desenho, a Casa da Moeda, aqui trabalhando na área das Artes Gráficas, tendo chegado a produzir vários trabalhos na esfera do que se designa como Design Visual, nomeadamente selos de grande circulação. Voltaria às Belas Artes, mais tarde, para concluir a sua formação em Pintura e seriam muitas as suas exposições nesta área, como a que realizou em 2017 sob a epígrafe de Entre Telas na Casa da Cultura Jaime Lobo e Silva, Ericeira.

Posteriormente viriam as bolsas da Fundação Calouste Gulbenkian, em Roma, Milão e Paris. A Itália, mas à Itália moderna, voltaria para, em Florença, cursar Cenografia para Televisão.

A cenografia e figurinos

Trata-se de um dos mais importantes cenógrafos de sempre, não só de Portugal, onde poucos com ele poderão ombrear, com uma notável obra ao nível das artes performativas e da imagem em movimento, mas também alguém com muitas das criações que assinou a terem grande visibilidade internacional, como as cenografias que produziu para os Jogos sem Fronteiras, talvez o mais popular programa europeu dos anos 80 e 90. Ainda ao nível do trabalho para televisão, há a referir a sua colaboração com a TV Globo na cenografia da obra O Primo Basílio. Foi diretor de cenografia da RTP e podem ainda ser citados os seus trabalhos para Os Maias ou Tragédia da Rua das Flores ou Felizmente há Luar e mesmo, no campo da comédia, a cenografia para a série Os Trapalhões em Portugal.

Ainda para televisão, juntou a este meio o seu amor pelo Teatro, tendo feito cenários para teatro televisionado, caso das ilustrações que realizou para o programa baseado na peça de teatro de Luiz Francisco Rebello – O Mundo começou às 5 e 47.

Do trabalho para bailado refira-se, entre outras, a colaboração com o bailarino e coreógrafo Armando Jorge, de que se destaca a criação do espaço cénico para o bailado La Silphide.

Trabalhou para o Teatro Nacional de São Carlos, sendo, nomeadamente, seus os cenários das óperas Prima la musica poi le parole de Antonio Salieri, onde recria no palco a sala em que a ópera é apresentada e que serviria de modelo para outras cenografias. Cite-se ainda a realização plástica da ópera D. Duardos e Flérida, tendo ainda realizado cenários para a área da ópera fora deste teatro, mais concretamente com uma impressionante cenografia para a ópera Albert Herring, de Benjamin Britten, encenada por João Lourenço e apresentada no Teatro Aberto no ano de 2002.

No campo teatral, trabalhou com os mais notáveis encenadores portugueses, com o tantas vezes esquecido Artur Ramos, com Paulo Renato, Luís de Sttau Monteiro, Jorge Listopad, João Mota, José Peixoto, Carlos Avilez, entre vários outros.

Ainda na esfera do Teatro, não pode deixar de ser citada a longa colaboração que vem mantendo com o encenador João Lourenço, para quem assinou tantas cenografias que se tornaram referência, desde As Espingardas da Mãe Carrar na Casa da Comédia, mais recentemente, no presente milénio, na nova casa do Teatro Aberto e do mesmo dramaturgo, os cenários para O senhor Puntila e o seu criado Matti. Cite-se ainda a sua cenografia para Vermelho, onde recriou uma pintura de Mark Rothko, hoje pertença do acervo do Museu Nacional do Teatro e da Dança.

No Cinem trabalhou com inúmeros realizadores, mas não pode ser escamoteada a sua grande ligação a Manoel de Oliveira, sendo de referir, entre outros, o trabalho que fez para os filmes Francisca, Le Soulier de Satin, Benilde ou a Virgem-Mãe, Amor de Perdição. Trabalhou também com outros realizadores, como o seu particular amigo Artur Semedo, mas também os realizadores que mudaram o panorama do cinema em Portugal com o Novo Cinema Português e cite-se as colaborações com Luís Filipe Rocha em Cerromaior, Eduardo Geada n’O Banqueiro Anarquista e Antonio de Macedo n’Os Abismos da Meia-Noite.

Em 1990, foi convidado por uma das mais relevantes criadoras contemporâneas, Rebecca Horn, para cenografar o filme The Buster’s Bed Roomcom Donald Sutherland e Geraldine Chaplin, entre outros.

 Figurinista

Embora o seu trabalho na esfera da realização plástica do espetáculo mais conhecido seja na área da cenografia, a sua produção enquanto figurinista não é de todo despicienda e inclui um número muito significativo de trabalhos, abrangendo também várias áreas do espetáculo, sendo de destacar o cuidado que tem nas ilustrações, evidenciando cristalinamente o que pretende, o que permite ao executante compreender facilmente o projeto e concretizar o figurino.

Dos figurinos pelos quais se responsabilizou, citem-se apenas alguns, nomeadamente os projetados para o espetáculo baseado na peça de Henrik Ibsen – Um Inimigo do Povo, levada à cena em Lisboa, no Teatro Capitólio, no já remoto ano de 1972, sendo a tradução, adaptação e encenação de Luís de Sttau Monteiro.

Refiram-se ainda os figurinos que realizou para a companhia “Intervalo” Grupo de Teatro, nomeadamente para Dom Quixote de la Mancha, um espetáculo baseado na obra de António José da Silva (O Judeu) – A Vida do Grande D. Quixote de la Mancha e do Gordo Sancho Pança.

Também desenhou figurinos para o Teatro Nacional de São Carlos, como para a ópera Três Máscaras, corria o ano de 1986.

Por fim, refira-se algo mais inesperado, mas também significativo: chegou a criar figurinos para o Festival RTP da Canção, nomeadamente no ano de 1973.

A Pintura e o Desenho como escape

Também menos referida é a sua obra pictórica, com uma evidente relação com a cenografia, sendo muitas vezes um desenvolvimento do que faz para o Teatro, a sua atividade primordial, algo que tantas vezes se reflete nas suas telas, mas, por outro lado, criado de forma propositadamente distinta.

A razão pela qual se dedica ao desenho e à pintura será exatamente a mesma pela qual também Marc Chagall o fez: este pintor declarou liminarmente que havia escolhido aquela forma artística, porque ela lhe era tão necessária quanto os alimentos e que, paralelamente, parecia ser uma janela a partir da qual poderia voar para outro mundo. Neste caso, a pintura e o desenho servem, sem dúvida, de refúgio e surgem como áreas paralelas à profissão de cenógrafo, que é a principal que desenvolve, mas como uma atividade que é, ao mesmo tempo, acessória e fulcral. A sua pintura tem também que ser entendida como parte integrante da sua pesquisa plástica, uma investigação que jamais cessa, movida por uma enorme curiosidade relativamente às formas e cores. Assim, mesmo que seja possível encontrar alguns denominadores comuns relativamente ao que faz como cenógrafo, percebe-se que há, não uma dispersão, mas uma busca incessante da pureza das formas, numa pintura que apela claramente à emotividade, onde a pincelada ou o traço largo são assumidos como importante componente de expressão; com manchas de cor de grandes dimensões.

Fica a faltar referir um aspeto que todos nós que somos amigos do António Casimiro conhecemos muito bem: Paralelamente a todas as suas criações, ele cultiva o prazer pelo desenho. Aqui, a representação do corpo feminino é muito significativa, quer meramente em termos de cômputo numérico, ocupando uma percentagem muito expressiva da produção, mas sobretudo pela grande qualidade que muitas patenteiam e pela variedade de formas como este tema é tratado. A este respeito, permita-se-me uma inconfidência: na sua versatilidade, neste prazer pelo desenho, descobri o seu gabinete secreto, um corpus absolutamente notável de temática erótica, que vai ser inventariado, estudado, exposto e publicado, porque é realmente um conjunto excecional, que merece ser conhecido.

O conteúdo António Casimiro, 91 anos aparece primeiro em Duas Linhas.

Formada na antiga Escola Superior de Belas Artes, hoje a Faculdade Belas Artes da Universidade de Lisboa, onde alcançou o prémio “Escola de Belas Artes”, destinado ao melhor aluno daquela instituição entre os cursos de Arquitetura, Escultura e Pintura. Começou por se dedicar à pintura, prática que, aliás, nunca abandonou, tendo realizado várias exposições e fazendo as suas obras parte de diversas coleções públicas e particulares. Importa referir que tem um traço de enorme qualidade, facilmente reconhecível. Num momento em que pouco se liga ao domínio da linguagem do desenho é bom ver que ainda há quem cultive esta forma de arte.

Desde cedo se dedicou à realização plástica do espetáculo, quer na área da cenografia, quer, sobretudo, na esfera nos figurinos. De acordo com o seu extenso curriculum vitae, a sua estreia deu-se no espetáculo A louca de Chaillot, um texto de Jean Giraudoux, encenado por Luzia Maria Martins para a companhia Teatro Estúdio de Lisboa, protagonizado por Helena Félix e apresentado no teatro Vasco Santana, no ano de 1968, sendo sua toda a realização plástica.

Colaborou com inúmeros encenadores e em diversos tipos de teatro, desde o mais popular, a revista à portuguesa, perdendo-se a conta às revistas por cujo design de cena foi responsável, mas fez também muitas cenografias para o teatro mais erudito, nomeadamente de pesquisa e mesmo ópera.

No teatro de revista trabalhou para diversas companhias, sendo de destacar a colaboração, já com décadas, com a atriz e encenadora Marina Mota, por cuja realização plástica dos espetáculos tem sido a responsável.

Vestiu inúmeros intérpretes, alguns dos mais significativos atores e atrizes portugueses, como Anna Paula, Cecília Guimarães, Lourdes Norberto, Ivone Silva, com quem nutria particular amizade, Ruy de Carvalho, Rui Mendes, Santos Manuel, Canto e Castro, entre tantos outros.

Ao nível do teatro mais erudito importa destacar a importante colaboração com o encenador Carlos Avilez e os trabalhos realizou para espetáculos do Teatro Experimental de Cascais.

Estes foram apresentados em vários espaços, como o Teatro Gil Vicente em Cascais, mas também em auditórios como o Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian, onde em 1987 foi apresentado o espetáculo Hamlet, baseado no texto homónimo de William Shakespeare, ou na primeira sala de teatro do país, a sala Garrett do Teatro Nacional Dona Maria II, onde em 1986  foi responsável pelo design de cena do espetáculo Guerras do Alecrim e Mangerona.

Com encenação de Carlos Avilez seria ainda a responsável pela realização plástica da Ópera dos Três Vinténs, apresentada no Teatro Gil Vicente em Cascais no ano de 1976.

Ainda neste mesmo género seria também responsável pelos cenários e figurinos da ópera As Variedades de Proteu que subiu à cena no Teatro Nacional de São Carlos em Lisboa no ano de 1982, encenada por Carlos Avilez.

Tem também uma obra muito significativa para televisão, sendo responsável pelos figurinos de um dos mais populares projetos de televisão europeus de todos os tempos, os Jogos sem Fronteiras, tendo os seus figurinos sido considerados, no ano de 1983, os melhores de toda a série difundida pela Eurovisão. Foi ainda a criadora dos figurinos para várias séries televisivas de grande sucesso como A Tragédia da Rua das Flores, transmitida pela RTP em 1983 (fig. 9).

Por fim importa lembrar a recriação do cortejo da famosa embaixada enviada em 1514 por D. Manuel I ao papa Leão X, capitaneada por Tristão da Cunha, o primeiro a ser nomeado governador da Índia, com a criação de um corpus gigantesco de figurinos, de notável criatividade, tendo este cortejo sido apresentado na Exposição Universal de Sevilha, a Expo Sevilha 92, dedicada à “Era dos Descobrimentos”, havida por ocasião das comemorações do centenário da descoberta da América por Cristóvão Colombo e depois patenteado em várias cidades de Portugal, nomeadamente no Porto, por ocasião das comemorações do centenário do nascimento do Infante Dom Henrique.

Disse Roman Rolland que o teatro, tal como o fresco, é uma arte adaptada ao seu lugar. E, por isso, é, sobre todas as outras, a arte humana, a arte viva. Assim, em jeito de conclusão convido-vos a descobrir esta importante criadora, que continua a trabalhar para manter o Teatro vivo e a contribuir para as artes do espetáculo em Portugal.

O conteúdo Os figurinos de Helena Reis aparece primeiro em Duas Linhas.

Ir ao teatro ver Kathakali é assistir a um exercício teatral multidisciplinar, onde a música e o canto têm papel importante, assim como o mimo e a linguagem corporal, artes marciais e rituais religiosos.

Kathakali é tradicionalmente reservado a atores masculinos. Fomos ver a peça Nalacharitham, uma história de amor entre um rei e uma princesa.

O conteúdo KATHAKALI, a Índia teatral aparece primeiro em Duas Linhas.

Interpretações geniais, seguras, aliciantes dos cinco actores, dois dos quais – Manuel Coelho («Estragon») e Ivan Solarich («Vladimir») – estão permanentemente em cena e é em torno disso que gira toda a acção. É que eles se encontraram, porventura numa encruzilhada da vida, e tinham o mesmo objectivo: esperar Godot. Não sabiam bem quem era esse Godot e porque se chamava assim. Alguém lhes tinha dito que o esperassem. E eles obedecem.

Só que a espera – como na fila para a morte, para uma cama no hospital, para o internamento no Lar de Idosos, para o Centro que distribui alimentos… – a espera angustia e pesa, eterniza-se e acabrunha e desespera, se não houver forma de, mesmo psicologicamente e em primeiro lugar, seu peso se conseguir diminuir. Dodo e Gigi lançam mão, portanto, a todos os ingredientes disponíveis, inventam outros, para que o tempo mais facilmente se lhes esvaia.

Ao fundo, numa pantalha, vamos lendo as poucas palavras que trocam, um em português, o outro em espanhol. E fazem silêncios. Muitos silêncios. Se os largos e fortes acordes iniciais e do fim são estridentes, num grito, os diálogos sucedem-se serenamente e atá contagiam os espectadores. Há, claro, aqueles momentos em que o senhor déspota, impante (Pozzo, incarnado por Tobias Monteiro), dá secas ordens ao pobre do autómato humano (Lucky, por Luiz Rizo). O oportuno contraste. E, a certa altura, aparece o menino (Tomás Andrade) e afirma: Godot está pra vir!

A cena está nua, como convém. É a beira duma estrada. Há uma árvore, que só no 2º acto mostra folhinhas, para marcar a sucessão dos dias e das noites, dos meses. Meditam os actores, meditará o público. Regressará para casa a sonhar também com um qualquer Godot – como Portugal longamente sonhou (e quanta vez ainda sonha!…) com o D. Sebastião salvador, em manhã de nevoeiro.

Levar-se-á para casa, além desse sonho, a excelente antologia de textos que a produção preparou. Há que lê-la com atenção, para melhor se entender, mormente  o que se transcreve do programa desta peça levada à cena, em Agosto de 1993, pela Companhia do Teatral do Chiado, a dar conta do que se passara, em 1959, aquando  da estreia da peça no Teatro da Trindade. Há o tocante testemunho «à espera», da autoria de Flávia Gusmão, directora, que conta o que se passou no estabelecimento prisional do Linhó. Há, escritos pelos próprios, os sentimentos que em cada um dos cinco autores despertou o papel que lhes coube interpretar. E não resisto a transcrever a parte final do depoimento de Manuel Coelho:

«Gastamos o tempo em banalidades, agarrados a esperanças infundadas, que acabam por limitar o ser humano, acorrentando-o a uma qualquer fé de que, um dia, algo acontecerá. E assim vivemos nessa expectativa, nessa espera.”

»Há um silêncio no mundo, perante os gritos de vários povos e em várias latitudes, e continuamos à espera, por absurdo, de que qualquer crença resolva a apatia a que estamos votados. Tenho para mim que a esperança pela esperança aniquila o humano».

Até somos capazes, a partir de certo momento, nos identificarmos com um ou outro dos homens que para ali estão à em entrecortada conversa. Quiçá, agora, a apatia nos cubra para, minutos depois, voltarmos à realidade e atentarmos melhor na frase que, por segundos, nos foi dado ler lá ao fundo. Indiferentes não ficaremos, porém, ao sibilar do chicote de Pozzo, aos gestos automáticos que Lucky (nada afortunado, apesar do nome), escravizado, é obrigado a fazer. Uma terrível e aniquilante supremacia. Lucky, uma vez, em ligar de grunhidos, ainda tenta papaguear um discurso eloquente. Eloquente será; desprovido, porém, de sentido.

Partiu-se da tradução, para português, feita por José Maria Vieira Mendes , e da tradução, para espanhol, de Ana Maria Moix. Direção, como se disse, de Flávia Gusmão; coube a Luiz Rizo o apoio dramatúrgico; encarregou-se Fernando Alvarez, como é hábito, da cenografia, figurinos e produção; a música foi do conhecido rapper cabo-verdiano Xullaj.

Intrigante, pois, bem intrigante, esta peça do dramaturgo irlandês Samuel Beckett (1906-1989), Prémio Nobel da Literatura em 1969, levada à cena pela primeira vez a 3 de janeiro de 1953, no Teatro da Babilónia, em Paris. Estreou-a agora o Teatro Experimental de Cascais, no Mirita Casimiro, a 13 de Novembro; é a sua 183ª produção e estará em cena até 15 de Dezembro, prevendo-se para o dia 7 a sessão com tradução em Língua Gestual e, para o dia 8, uma conversa com os espectadores.

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Na verdade, o espectador terá a liberdade de interpretar o que ouve e o que vê, e porventura o que se vê terá tanta importância como o que é dito.

É também uma peça fisicamente exigente, onde os atores deixam suor e sangue, literalmente.

Bernard-Marie Koltés morreu cedo, vítima de HIV. Deixou-nos apenas seis textos teatrais, todos magníficos e encenados por esse mundo fora, a saber:  o solilóquio La nuit avant les forêts (1977),  Combat de nègre et de chiens (1979), Quai Ouest (1983), Dans la solitude des champs de coton (1985), Le retour au désert (1988) e Roberto Zucco (1989) e depois morreu.

No teatro Ibérico, a peça “Na Solidão dos Campos de Algodão” foi encenada por Zia Soares. A encenadora e os quatro atores escolhidos formam um naipe bem representativo da lusofonia. Zia é filha de timorense e angolana, nasceu no Bié. Pedro Hossi, Gio Lourenço e Daniel Martinho são de Luanda,  Hugo Narciso é de Lisboa, filho de um português e de uma angolana, todos juntos enchem um palco dominado por talentos da lusofonia.

Se Pedro Hossi é um nome já bastante conhecido na cena teatral portuguesa, popularidade exponenciada pelas telenovelas em que tem participado, esta peça evidencia o talento do mais jovem dos quatro em palco, Hugo Narciso que, aos 21 anos, revela enorme capacidade de interpretação e uma presença em palco distinta.

Ir ao Teatro Ibérico ver esta peça é uma experiência que deveria interessar a todos os que gostam de teatro. Mas também servirá para ficarem a conhecer a antiga igreja do Convento de São Francisco de Xabregas.

O conteúdo O SUBMUNDO NA IGREJA VELHA aparece primeiro em Duas Linhas.