No âmbito das comemorações das Jornadas Europeias do Património – que calham, anualmente, nestes últimos dias de Setembro – o Museu da Música Portuguesa / Casa-Museu Verdades de Faria, no Monte Estoril, incluiu uma apresentação invulgar, na tarde de domingo, 21: Leopoldo Frederico de Drummond Ludovice veio contar-nos a história da Canção Estoril, da autoria de seu pai, José Frederico Bravo de Drummond Ludovice (1919-2007), arquiteto e compositor modernista.

José Frederico tocou, de 1944 a 1946, no Rádio Clube Português e na Emissora Nacional e na orquestra residente do Casino Estoril, de 1949 a 1952. Entre as composições que fez, sobressai o Hino para a OTAN, em 1951, e, sobretudo, a Canção Estoril.

Nasceu esta de forma algo inesperada, contou o filho: após uma improvisação no Casino Estoril, inspirada no cenário ímpar do amanhecer no Tamariz. O imediato êxito que obteve abriu-lhe o caminho dos palcos e deu origem a uma melodia que viria a tornar-se icónica. Adaptada, mais tarde, ao ritmo do bolero, a canção conquistou espaço nas boates, e, entre outras, a interpretação protagonizada por Maria Odette recebeu elogios da crítica e teve difusão a nível nacional. Em 1972, a peça foi ainda utilizada como banda sonora do documentário Costa do Sol.

Dividido entre a Arquitetura e a Música, José Frederico Bravo de Drummond Ludovice deixou-nos, pois, «um legado artístico singular, onde modernidade, emoção e identidade cultural se entrelaçam, contribuindo assim para a história do Estoril» –sublinha-se no anúncio da palestra de seu filho Leopoldo.

Constituiu a sessão, além de um acto de amor filial, bom contributo para o enriquecimento do património cultural do Estoril, até porque ficaram expostos no Museu os originais das partituras. Apresentou o orador Catarina Roquette, uma das técnicas do Verdades de Faria, e estiveram presentes cerca de trinta pessoas, entre familiares, amigos e habituais frequentadores daquela instituição cultural camarária gerida pela Fundação D. Luís.

^{(as fotografias de José de Drummond Ludovice foram partilhadas do blog Arquitecto-Compositor José Frederico Bravo de Drummond Ludovice)}

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A produção é simples. Uma pequena equipa viaja com um conjunto móvel de equipamento de gravação de som e captação de imagem, encontra músicos talentosos e interessantes e grava-os a tocar a mesma música. Todas as gravações são feitas ao vivo. Desta forma, é montado um arranjo musical invulgar, tecido pelos sons de diferentes artistas. Cada participante leva algo diferente para a composição final.

Depois edita-se o vídeo e divulga-se pela net, nomeadamente nas redes sociais. O projeto “Música Juntos” é do russo Timur Vedernikov.

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Quer procures acompanhamento numa loja de instrumentos musicais ou utilizes recursos online, encontrar o método de aprendizagem ideal pode fazer toda a diferença no teu progresso musical e satisfação pessoal. Apresentamos-te alguns dos melhores métodos para aprenderes a tocar um instrumento, destacando as vantagens e desvantagens de cada abordagem.

Aulas particulares

As aulas particulares são uma das formas mais eficazes de aprenderes a tocar um instrumento. Com um professor dedicado, recebes feedback personalizado e ajustas o teu progresso de acordo com as tuas necessidades individuais. As aulas podem ser dadas pessoalmente ou online, o que te dá flexibilidade em termos de local e horários.

Vantagens:

• Feedback personalizado.
• Correção imediata de erros.
• Motivação contínua e acompanhamento do progresso.

Desvantagens:

• Pode ser dispendioso.
• Depende da disponibilidade do professor e do aluno.

Cursos e aplicações online

A tecnologia revolucionou a aprendizagem e agora oferece cursos estruturados que te permitem aprender ao teu próprio ritmo.

Vantagens:

• Horários flexíveis.
• Custos geralmente mais baixos do que os das aulas particulares.
• Acesso a uma vasta gama de recursos e materiais didácticos.

Desvantagens:

• Falta de feedback personalizado.
• Pode ser difícil manter a motivação sem supervisão direta.

Método Autodidata

A aprendizagem autodidata é uma opção popular para aqueles que preferem uma abordagem mais independente. Com acesso a livros, tutoriais no YouTube e outros recursos online, muitos músicos principiantes conseguem fazer progressos significativos por si próprios.

Vantagens:

• Controlo total sobre o ritmo de aprendizagem.
• Custo baixo ou nulo.
• Desenvolve a capacidade de resolução de problemas.

Desvantagens:

• Falta de feedback imediato.
• Pode levar a maus hábitos ou a uma técnica deficiente se não for monitorizada.

Métodos tradicionais

Os métodos tradicionais, como as aulas em escolas de música, oferecem uma combinação de teoria musical e prática instrumental. Estes programas são estruturados e oferecem frequentemente oportunidades de atuação e avaliação regular.

Vantagens:

• Ambiente estruturado.
• Oportunidades de atuação e de exame.
• Desenvolvimento abrangente de competências teóricas e práticas.

Desvantagens:

• Menos flexibilidade de horário.
• Pode ser mais caro do que os cursos em linha ou o estudo autónomo.

Métodos híbridos

Uma abordagem híbrida combina diferentes métodos de aprendizagem, tais como aulas em linha com prática autodidata e sessões ocasionais com um professor. Esta combinação pode oferecer o melhor de dois mundos, proporcionando flexibilidade e feedback personalizado.

Vantagens:

• Combinação de feedback personalizado e flexibilidade.
• Pode ser mais económico do que aulas semanais regulares.
• Adaptação às necessidades específicas do aluno.

Desvantagens:

• Requer uma boa gestão do tempo.
• Pode ser difícil encontrar um equilíbrio ideal entre os métodos.

Considerações importantes

Independentemente do método que escolheres, alguns fatores são cruciais para aprenderes um instrumento musical com sucesso:

A prática leva à perfeição

A prática consistente é fundamental para o teu progresso. Estabelece um horário de prática que seja realista e sustentável, dedicando pelo menos 20 a 30 minutos por dia ao teu instrumento.

Uma base sólida oferece grandes vantagens

Mesmo que o teu objetivo seja tocar de ouvido ou improvisar, um conhecimento básico de teoria musical pode enriquecer a tua compreensão e capacidade de tocar um instrumento.

Escolhe um instrumento

Escolher um instrumento que realmente te agrade é essencial para manter a motivação. Visita uma loja de instrumentos musicais para explorares as diferentes opções e perceberes qual é a que mais te agrada.

Aproveita todos os recursos ao máximo

Tira partido de todos os recursos disponíveis, desde vídeos do YouTube a aplicações de aprendizagem e livros de música. A diversidade de fontes pode fornecer diferentes perspectivas e técnicas que beneficiam a aprendizagem.

Aprender a tocar um instrumento musical é uma viagem pessoal e única. Não existe um método único que funcione para todos, por isso é importante experimentar diferentes abordagens e encontrar a que melhor se adapta ao teu estilo de vida, objetivos e preferências.

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A história – que remonta aos primórdios do século VI a. C. – é contada na Bíblia, onde os lamentos e as visões dos profetas mui significativamente a enquadram: Nabucodonosor, o grande rei de Babilónia, capital da Assíria, vence os Hebreus e leva-os de cativeiro para as terras entre o Tigre e o Eufrates.

Pode o leitor, se tiver um bocadinho de tempo e lhe aprouver, pôr esses mapas antigos em cima dos actuais e, estou certo, até é capaz de ficar surpreendido e poderá comentar de imediato: «Pois é, a história repete-se!». E é verdade. Não com as mesmas armas mas com as mesmas motivações: religiosas e económicas ou económicas e religiosas, porque a religião (sabe-se bem) é, cada vez mais, a capa ideal para os interesses económicos.

E, assim, os produtores do espectáculo do dia 3 no Salão Preto e Prata do Casino Estoril puderam projectar em pano de fundo imagens actuais da devastação provocada pelos mísseis, em jeito de mui ténue comparação com a devastação que a guerra entre Assírios e Hebreus terá provocado (Jerusalém foi destruída em 587 a. C.). E tal como hoje, embora as ruínas impressionem, o acento foi então posto nas pessoas, nos reféns, na escravização. E disso falam os profetas, incitando o seu povo a ter confiança no deus todo-poderoso que, um dia, os irá libertar.

No libreto, escrito por Temistocle Solera, da ópera que se deve ao enorme génio de Giuseppe Verdi, tudo acabará por se resolver através de intrigas amorosas e, mesmo em cadeira de rodas, Nabucodonosor quer, a todo o custo, manter-se senhor de todos os poderes. Acabará por não conseguir. Bom presságio, agora? Na ópera tudo se passa há milénios, senhores! No entanto, escrita durante a época da ocupação austríaca no Norte de Itália e representada, pela primeira vez, em 1842, no Scala de Milão, o Coro dos Escravos tornou-se o hino da resistência italiana.

O Grupo Chiado, promotor da iniciativa, reduziu a dois os quatro actos que o libreto assinala. Sobre a cena, legendas numa faixa vão dando tópicos sobre o que no palco se observa. A Hesperian Symphony Orchestra, dirigida por Antonio Ariza Momblant, sublinha cada movimento e vai encantar-nos, claro, quando, vestidos de escarlate, os hebreus cantam o jamais ultrapassado coro dos escravos: «Va, pensiero, sull’ali dorate, Va’, ti posa sui clivi, sui colli…», «Vai, pensamento, sobre asas douradas. Vai, pousa-te nas encostas e no topo das colinas, onde, mornas e macias, nos perfumam as doces brisas do solo natal! Saúda as margens do rio Jordão e as torres derrubadas de Jerusalém»… – a saudade do sempre ansiado regresso!

Coube a  direção de cena a Ignacio García. E, mais uma vez, a produção não achou de interesse disponibilizar qualquer informação acerca da identificação dos actores e dos respectivos papéis. É pena! Mas o espectáculo encheu as medidas de quantos tiveram a dita de a ele assistir. Aliás, esteve lotado o Salão Preto e Prata e, no final, fartos foram os aplausos, de pé!

_{Fotos de Conceição Alves gentilmente cedidas pelo Gabinete de Imprensa do Casino Estoril}

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Na verdade, tanto tempo passou, mas a figura do jovem espanhol Nagy, discípulo do grande Emilio Pujol, quase que escondido atrás da guitarra, no aconchego do Museu dos Condes de Castro Guimarães, em Cascais, pelos anos 60, não se esqueceu. E foi ele quem, integrando-se por completo no ambiente musical português e no da Costa do Sol, em particular, pegou no Festival de Música da Costa do Sol, patrocinado, de modo especial, pela Junta de Turismo. Joaquim Miguel Serra e Moura, o presidente, sabia bem quanto a música poderia ser – e era! – imprescindível veículo promocional da zona.

Era o tempo em que tínhamos, do outro lado da serra, o já consagrado Festival de Sintra, de enorme tradição e, deste lado, nasceu o Festival Internacional de Música da Costa do Sol, a par dos Cursos Internacionais de Música, que traziam a Cascais, no Verão, dezenas de estudantes estrangeiros para cursaram junto de mestres de renome internacional: o violoncelista Maurice Eisenberg, o violinista húngaro Sándor Végh, a pianista Helena Moreira de Sá e Costa…

Chegaram depois os tempos da miopia e Piñeiro Nagy teve de fazer das tripas coração para manter a chama. Foi mesmo difícil. Daí que, neste ano da graça de 2023, tenhamos o 49º Festival Estoril Lisboa, em que, felizmente, há um vasto naipe de entidades apoiantes e o nome teve, por isso, de mudar.

Começou este 49º Festival a 23 de Junho e está previsto que o concerto de encerramento seja na igreja da Madre de Deus, na próxima sexta-feira, 28. Passou pelos mais diversificados ambientes: a Academia das Ciências de Lisboa, o Palácio Marquês do Alegrete, o Palácio da Ega (Arquivo Histórico Ultramarino), o Largo de S. Carlos, o Palácio da Mitra, o Centro Cultural de Cascais, a Biblioteca de Alcântara, a Sé Patriarcal. Lugares diversos, programas distintos, intérpretes sempre diferentes – sempre, todavia, o mesmo nível elevado.

E completa-se também, este ano, o 59º aniversário dos Cursos Internacionais de Música: clarinete, na Escola Superior de Música de Lisboa (Prof. António Saiote); órgão, em Novembro (Prof. Xavier Artigas) e em Dezembro (Prof. Luc Ponet), na igreja de S. Vicente de Fora.

O espectáculo na Academia das Artes do Estoril

Tive ocasião de assistir ao singular espectáculo levado à cena, no sábado, 22, no auditório da Academia das Artes do Estoril (no edifício Cruzeiro).

Começou «coxo», porque o som saiu com interferências, baixo, e a voz pouco perceptível. Pena que não se tenha parado, a fim de se proceder ao necessário ajuste, até porque com essa introdução melhor se entenderia a mensagem que o espectáculo iria veicular: «Amores, desamores e dissabores… em cena!», «uma viagem ao universo coral operático em torno do amor», «um turbilhão amoroso que ressoa na voz e no corpo destes jovens cantores» (lê-se no programa).

Os textos projectados e lidos (carecia-se de melhor dicção) mostravam a progressão da história, magnificamente apresentada por um brilhante naipe de jovens, bem maquilhados e extravagantemente trajados. Eles e elas cantaram, representaram, bailaram. Com à-vontade e gosto, servidos por uma coreografia deveras original («destemida», diz o catálogo, e é verdade!), da autoria de Joana Bergano. Que quadros bem agradáveis nos apresentaram!

Um espectáculo diferente, dirigido por Rute Prates e Teresa Lancastre, em que o bel canto (a cargo do barítono Simão Nobre e da soprano Mariana Rodrigues) andou de braço dado com o movimento, acompanhado ao piano por Eurico Rosado e, num dos trechos, por um pequeno conjunto de cordas.

Ouviram-se e viram-se «Forêts paisibles», da ópera «Les Indes Galantes» de Jean-Philippe Rameau; «Servant’s Chorus», da ópera-bufa Don Pasquale, escrita por Gaetano Donizetti; o célebre «Cigarette Chorus», da ópera Carmen, de Bizet; a seguidilla «La verbena de la Paloma», de Tomas Breton; o coro de boca fechada (“The Humming Chorus»), da óperaMadame Butterfly, de Puccini; «It ain’t necessarily so», a conhecida canção que integra Porgy and Bess, ópera do compositor americano George Gershwin; e, por fim, a sempre divertida canção «knee play 1» (brincadeira com números e notas de solfejo) que faz parte da ópera «Einstein on the beach», de Philip Glass.

Esta simples enumeração dá conta da excelência do repertório que foi executado quase sem interrupção, de tal modo que os espectadores nem sempre se aperceberam que terminava um trecho e começava outro e só perto do final é que vieram os aplausos.

Um espectáculo ligado à Escola Artística do Instituto Gregoriano de Lisboa, que muito desejaríamos ver reposto.

Ficaram felizes os jovens intervenientes (estamos no 10º Festival Jovem). Ficaram felizes os familiares. Agradados ficámos todos os que tivemos a dita de, no final, calorosamente os aplaudir. Queríamos mais do que estes jovens – que por completo encheram o palco – nos haviam proporcionado.

_{Fotos do espectáculo: Carlos Maduro | FEL}

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Depois de uma conversa com as duas associações de utentes do STOP, o autarca portuense diz que, afinal, o local pode reabrir. Basta que o município destaque 5 bombeiros a tempo inteiro para o local.

Tal como muita gente já tinha dito, o encerramento coercivo do edifício deveria ter sido ponderado previamente. Há dezenas de anos que o STOP funciona nas condições que, só agora, a autarquia considerou potenciadoras de perigo.

É certo que nunca um edifício como este deveria ter tido licença de construção, sem que no projeto existissem saídas de emergência, portas corta-fogo, bocas de incêndio e extintores em locais estudados.

No STOP funcionam dezenas de estúdios de som, salas de ensaio de bandas musicais, além de negócios vários de porta aberta. Se o encerramento do local se confirmasse, mais de 700 músicos ficariam sem local de ensaio e sem arrumos para os instrumentos.

Afinal, teria sido fácil chegar à solução (embora provisória) que possibilita a manutenção da atividade e a realização de obras, depois de um projeto de remodelações que seja aprovado pela autarquia.

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Agora os nossos encontros são menos constantes, mas sinto muitas vezes a tua falta. Matamos saudades sempre que surge uma oportunidade! Nasceste primeiro que eu e sei que viverás mais do que eu. Sei que viverás mais histórias para contar.

A minha avó escreveu poemas sobre nós. Depois de ela falecer, eu ainda encontrava pequenos papéis escondidos nos bolsos dos meus robes, referentes a nós. Sorrimos e choramos juntos. Conheceste todas as minhas paixões. Ajudaste-me a descobrir o que dizer, quando as palavras não serviam. Quando senti necessidade de substituir um por outro, derramei vinho sobre ele, e o mesmo virou-se contra mim. Já tu!!! Tu és à prova de vinho!! És à prova de mim mesmo.

 Até sempre meu velho piano. Estarás sempre no meu coração

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«Cruzeiro» se chama, do nome dos Cruz os seus mentores; cruzeiro porque então, nesse final da década de 40, ali, sobre ele, se cruzavam as rotas aéreas e havia como que a confluência das três freguesias, Cascais, Estoril e Alcabideche. E queria-se que foi encruzilhada de muitas gentes, de muito movimento, algo que nunca se vira em tempo algum e em nenhum sítio.

Quantos por ele, nestes anos todos, fomos passando e até ali alguma vez comemos num dos restaurantes lá de cima ou fomos aos fados, rejubilámos no passado dia 28.

Dissiparam-se as dúvidas logo à aproximação e depois, paulatinamente, à medida que fomos percorrendo os espaços e vimos que, mesmo em dia de abertura, já ameaçavam estar vivos.

No palco, ao rés-do-chão, um coro lançava cantos ao vento; no que vão ser as salas de aula da Escola Profissional de Teatro, quatro-cinco alunos treinavam já aquela cena combinada, no convite a que nos demorássemos e nos sentássemos numa das cadeiras, a ouvi-los… E depois vinha-se ao amplo varandim do 1º piso e ao do 2º e a vista alargava-se até ao Cabo Espichel… Maravilha!

E olhámos para trás: sim, aquela espécie de torreãozinho, qual torre de radar de aeroporto, os arquitectos fizeram questão (como nós faríamos!) em a manter! Aliás, a traça da época acabou por ser respeitada – e com isso também nos congratulamos.

Quase no final do dia, mal refeitos das emoções, ainda nos esperava a sessão solene no auditório. Um auditório! Como, vivamente entusiasmado, me escreveu Nikolay Lalov, de Budapeste:

«Não há melhor satisfação: ver a Orquestra criada por mim, a abrir uma Academia, onde o Conservatório, criado por nós, vai ter salas e a OCCO um auditório para actuar. E a OCCO dirigida por um jovem maestro, que ganhou prémio no concurso que OCCO criou… A OCCO apanhou a ” velocidade do Cruzeiro”!».

Pois foi isso mesmo. Além dos discursos protocolares, o do Senhor Presidente da Câmara e o do Senhor Ministro da Cultura (nunca ele pensou, creio eu, que viria a ter o seu nome numa placa deste edifício, que se habituara a ver desde pequenino e cuja degradação também muito lhe custava sentir), além dos discursos, tivemos o Monólogo do Vaqueiro por um dos elementos do TEC. Só que, neste caso, o recém-nado não foi um principezinho de carne e osso, mas um edifício real, real de realeza e real de realidade! E o vaqueiro bem o soube louvar. Um texto de antologia, diga-se! Merece que se saiba quem o fez! E merece voltar a ser ouvido.

Quando, sim, actuou a Orquestra Sinfónica de Cascais e Oeiras, a acompanhar uma tenor, que nos deliciou, por exemplo, com a Ave-Maria de Schubert, não haveria trecho mais adequado ao momento. Como – num outro horizonte – o canto dos goliardos, Carmina Burana, a fechar o espectáculo, nos obrigou a outros sonhos…

Que, sim, esta Academia de Artes do Estoril (canto, dança, teatro, música…) é, agora, um sonho cumprido, um sonho «refeito», como Lalov contrapôs ao sonho «desfeito» do empreendedor de 1951. Queremos, porém, que venha a ser um viveiro de bons sonhos concretizados! E sê-lo-á!

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Se foi espectáculo bonito de se ouvir? Naturalmente, foi! Diversificado, como fora prometido, composições clássicas e trechos de compositores brasileiros (ai, a imprescindível e sempre bem-vinda garota de Ipanema, e aquele ‘Tico-tico no Fubá’ que Carmen Miranda celebrizou!…), sempre com arranjos originais e de óptimo recorte, a dar oportunidade a solos que justamente se aplaudiram.

As meninas estavam felizes com esta primeira paragem da sua incursão por terras europeias, na digressão comemorativa do bicentenário da independência do Brasil. A maestrina Priscila Bomfim foi explicando tudo o que se ia cantar e era manifesto o seu regozijo. O maestro Miguel Fialho deu o seu apoio.

A Primeira Dama do Estado do Rio de Janeiro, Analine Castro, falou do seu contentamento. O Sr. Presidente da Câmara Municipal de Cascais, «pai de cinco filhas» (como fez questão de referir), declarou-se muito agradado por estas meninas da Orquestra Sinfónica Juvenil Chiquinha Gonzaga haverem escolhido a música qual via ideal para o exercício da cidadania.

Trocaram-se presentes, como é da praxe. O Município de Cascais fez questão de obsequiar com a cópia da carta de alforria da vila em relação a Sintra, outorgada, em 1370, por el-rei D. Fernando. Uma «independência» de mais de 650 anos!», frisou-se.

Em suma, alegria contagiante a marcar este espectáculo, que já tivéramos ocasião de anunciar aqui, dando conta da excelência do projecto que lhe está na origem: a inserção de meninas das escolas públicas do Rio de Janeiro.

Cascais sentiu-se honrado por ter sido palco desta primeira actuação da Chiquinha Gonzaga em solo europeu! Os aplausos não se  regatearam, de pé, e ninguém deu por mal empregues as menos de duas horas de música contagiante a que tivera o privilégio de assistir.

_{Fotos de Luís Bento (Câmara Municipal de Cascais) e Ana Salgado}

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Sublinhava-se, na nota de apresentação, que o espectáculo reuniria «as histórias e as canções que, por algum motivo, não foram aceites pelas pessoas para quem foram escritas». Esclarecia-se que «algumas chegaram a ser gravadas por outros intérpretes – com sucesso, inclusive – outras pelo próprio autor e outras não chegaram (ainda) a ver a luz do dia».

Depressa os bilhetes esgotaram e o facto de mui significativa parte da assistência ser constituída por menores (acompanhados de seus familiares) e por jovens poderá derivado de se ter pensado que os três principais intervenientes, além de conversarem – sob a espicaçante tutela da voz quente do autor Tito Couto – iriam interpretar não apenas as canções rejeitadas, mas também, em jeito de ‘sobremesa’, algumas das mais conhecidas do seu repertório, nomeadamente para se obter a anunciada dinâmica, «baseada na constante comunicação e partilha, entre os compositores em palco e também com o público». Quiçá, nesse âmbito, «Sei lá!», de Bárbara Tinoco e «O meu avião de papel», de Carolina Deslandes, tenham sido os únicos momentos altos. Nem Gisela João, nem Sara Tavares, nem Mariza, nem António Zambujo, nem Ana Moura, nem Áurea – para citar alguns dos rejeitadores… – apareceram. Mesmo no final, com o público a aplaudir, maioritariamente de pé, os artistas não voltaram ao palco para uma esperada última canção que porventura reunisse os três. E os espectadores saíram, assaz silenciosos, o que contrastou com a algazarra entusiasmada que se sentira na plateia e nas patilhas antes de o espectáculo começar.

Presença constante no palco foi, porém, a de um senhor (senhor seria?) disfarçado de elefante de peluche, o simbólico elefante trombudo que já aparecia no cartaz. As crianças e as jovens entravam, abraçavam-no, faziam fotos, selfies, numa azáfama que terminou, mau grado as insistências, quando se chegou às 21 e 30, hora prevista para o começo do espectáculo. Mesmo no decorrer dessa tertúlia, o diacho do elefante não deixou sossegado o «Bichinho», o russo Feodor Bivol, namorado de Bárbara, que, à viola, acompanhou as actuações; fazia-lhe cócegas nas orelhas, beliscava-lhe as pernas…

Há que dizer que o cenário foi o de um supermercado. Aí pelas 21 e 39, uma voz anunciou «5 minutos para abrirmos a loja». Aí se consciencializou que os três adereços pendurados eram mesmo carrinhos de compras de supermercado. Bárbara (elegante no seu trajo de colegial) e Agir deram em carregar caixas com a palavra CANÇÃO na etiqueta, enquanto Carolina foi enchendo a grande prateleira branca, sita do lado direito da cena, onde o elefante também quis fazer bilharetas, mais tarde, roubando embalagens… Painéis pendurados anunciavam que no corredor 1 havia MELODIA, no 2 LETRA, no 3 HARMONIA.

Às 21 e 49, Carolina e Bárbara bateram palmas, e Agir foi ao cavalete e substituiu por ABERTO o cartaz que dizia FECHADO.

Garantiu-se, no decorrer do espectáculo (houve momentos divertidos, isso houve!), que Bárbara Tinoco nunca se deitava depois da meia-noite. Seriam para aí umas vinte e três e vinte quando as portas do Salão Preto e Prata se abriram para a saída. Também neste dia Bárbara pôde deitar-se antes da meia-noite! E nós também!

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